Colin MacCabe

세계적 지식인 존 버거를 틸다 스윈튼, 콜린 맥케이브, 크리스토퍼 로스 등이 5년에 걸쳐 촬영한 다큐멘터리. 각기 다른 네 개의 에세이 영화는 알프스 생활의 여러 면을 담으며, 버거의 작품 속 아이디어와 모티프를 결합하여 총체적인 하나의 작품을 이룬다. 는 영화가 텍스트와 순수미술을 어떻게 넘어설 수 있는지를 다면적이고 다층적으로 묘사하는 작품이다.

세계적 지식인 존 버거를 틸다 스윈튼, 콜린 맥케이브, 크리스토퍼 로스 등이 5년에 걸쳐 촬영한 다큐멘터리. 각기 다른 네 개의 에세이 영화는 알프스 생활의 여러 면을 담으며, 버거의 작품 속 아이디어와 모티프를 결합하여 총체적인 하나의 작품을 이룬다. 는 영화가 텍스트와 순수미술을 어떻게 넘어설 수 있는지를 다면적이고 다층적으로 묘사하는 작품이다.

Derek, in chronological order, records the work and life that stands at the foot of Derek Jarman's humour and spirit of being an artist. The filmmaker and actress, Isaac Julien and Tilda Swinton respectively, have produced and narrated a film on his life whereby the use of language is perpetuated to give some type of palpable meaning to British audiences alone, and to their own personal relationship with him.

A documentary on serial killer films.

The Name of this Film is Dogme95 is an irreverent documentary exploring the origins of Dogme95, the most influential movement in world cinema for a generation. The film tells how a 'brotherhood' of four Danish directors armed with a radical Manifesto, has inspired, outraged and provoked filmmakers and filmgoers the world over. The rules of Dogme95 take filmmaking back to its brass-tacks - stories must be set in the here and now; the films must be shot on location, with a handheld camera, using natural light, and direct sound; the rules forbid murders and weapons (staples of the much-loved action-movie genre); and, most amusingly, the director must not be credited (that holds also for the director of The Name of this Film is Dogme95...).

An examination into the nature of 1960's-70's horror films, the involved artists, and how they reflected contemporary society.

This film tells the fascinating story of one of the most critically acclaimed careers in independent documentary film making in recent cinema history. This comprehensive overview of Morris' career includes clips of all his important films as well as interviews with collaborators such as Werner Herzog and Phillip Glass.

This highly personal film essay demonstrates that Chinese cinema has dealt with questions of gender and sexuality more frankly and provocatively than any other national cinema. Yang ± Yin examines male bonding and phallic imagery in the swordplay and kung fu movies of the '60s and '70s; homosexuality; same-sex bonding and physical intimacy; the continuing emphasis on women's grievances in melodramas; and the phenomenon of Yam Kim-Fai, a Hong Kong actress who spent her life portraying men on and off the screen.

Australian-born filmmaker George Miller offers a personal view of Australian films. He suggests that they can be regarded as visual music, public dreaming, mythology, and song-lines. In extrapolating the idea of movies as song-lines he examines feature films under the following categories: songs of the land; the bushman; the convicts; the bush-rangers; mates and larrikins; the digger; pommy bashing; the sheilas; gays; the wogs; blackfellas; and urban subversion. He then concludes that these films can be thought of as "Hymns that sing of Australia."

Tourneur, a self-proclaimed cinéaste, feuds with Cinema and his gang, who are obsessed with foreign action movies.

The 'Century of Cinema' is an 18-part series produced by the British Film Institute to celebrate 100 years of cinema. The series includes films directed by Scorsese, Oshima, Godard, among others. Mrinal Sen directed the Indian chapter of the series.

The Russian entry in the BFI’s Century of Cinema series of documentaries

An aging Brazilian actor teams up with a film student on a trip to Mexico, in order to find out an unknown movie his mother allegedly watched before she committed suicide.

Actor Sam Neill discusses New Zealand film and his own experiences within and without.

50분 동안 일본영화사 100년을 훑을 수는 있지만, 6-70년대 들어와서 절반 이상 자기 영화를 소개하는 배짱을 보면서 오시마 나기사답다고 할 수 밖에...

영화 탄생 100주년 기념으로 만들어진 스콜세지 개인에 대한 다큐멘터리

A meditation on the first 100 years of German cinema, featuring some of its greatest directors.

11살 소년 버드는 사랑하는 엄마와 가족들이 곁에 있지만, 외롭고 슬프다. 더구나 버드는 자신을 괴롭히는 아이들과 압제적인 선생님들 때문에 학교 생활에 적응하기가 더욱 힘들고, 겉돌기만 한다. 그런 버드에게 있어 유일한 위안은 동네 영화관에 가는 것이다. 카메라는 버드의 음울한 기억과 버드가 바라보는 어른들의 세계를 유영하듯 뒤쫓는다. 데이비스는 확고한 스타일과 특유의 재기 넘치는 연출로 다시금 자신의 어린 시절이 투영된 아름다운 서정시를 만들어냈다. 데이비스의 유연한 카메라는 시간과 기억을 뒤섞고, 버드의 상상과 실제 세계의 경계를 무너뜨린다. 버드 역을 맡은 아역 배우 리 맥코맥의 연기는 표정 하나, 몸짓 하나에서까지 절절함이 묻어난다. 영화의 마지막 부분에 쓰인 곡은 바로 영화의 제목과 같은데, 영국의 유명 작곡가 아서 설리번이 만들었으며, 장송곡으로 자주 쓰인다. (2014 영화의 전당 - 영국영화의 심장: 마이크 리 & 테렌스 데이비스)

Two disc jockeys have a friend's murder to solve in the fringe-group melting pot of 1977 London.

영국 리버풀을 배경으로 한 테렌스 데이비스 감독의 자전적인 영화. 남다를 것 없는 평범한 가정의 세 남매 중 장녀인 아일린은 결혼식을 준비하며 세상을 떠난 아버지를 추억한다. 기억 속의 아버지는 폭력적이고 억압적이었지만 동시에 약한 모습을 숨기고 있다. 1988년 칸영화제 국제비평가연맹상, 1988년 로카르노영화제 대상 수상

Sammy and Rosie are an unconventional middle-class London married couple. They live in the midst of inner-city chaos, surround themselves with intellectual street people, and sleep with everybody - except each other! Things become interesting when Sammy's father, Rafi, who is a former Indian government minister, comes to London for a visit. Sammy, Rosie, and Rafi try to find meaning through their lives and loves.

A robot messenger is sent to earth to appeal to humans to live in peace. Originally designed to go to MIT, by mistake she ends up in Amman, Jordan during the Black September riots of 1970. Sullivan, a British journalist, comes to her aid when she is found wandering without papers following a bombing and grants her refuge in his hotel room. But there she tells him she is a robot, sent as a peace envoy from another planet. He is not sure whether to believe her story or not, but finds her unusual view of the world appealing. They examine the human condition in a series of incredibly insightful and entertaining conversations.

늙은 화가 카라바조는 죽음의 침상에서 과거를 회상한다. 이단적이고 불손한 태도에도 불구하고 독특한 화풍으로 귀족들과 주교의 후원을 받던 카라바조는 모델 라누치오와 그의 연인 레나 사이에서 삼각관계에 빠지게 된다. 현대와 르네상스를 가로지르는 실험적인 형식 속에서 강렬한 명암대비와 빛으로 특징지어지는 16세기의 천재 화가 카라바조의 대표적인 그림들을 탁월하게 재현한 작품으로, 데릭 저먼의 영상미가 정점에 도달한 영화.